Imagem e Fotografia

“A MARGEM DA LINHA” documentário sobre os paradigmas da arte contemporânea na cinemateca de curitiba

2009-10-27T10:14:00.000-07:00

A Margem da Linha

Por meio de entrevistas com os artistas Regina Silveira, Sérgio Sister e José Spaniol, a diretora Gisella Callas desvenda os paradigmas da arte contemporânea

Os limites da arte contemporânea não é algo que qualquer um pode definir, por mais que conheça do assunto. Cada artista tem sua forma de produzir. A maneira de olhar o mundo, de interpretá-lo e de usar isso para criar obras de arte é algo singular, que depende muito do ambiente em que a pessoa vive, do local que escolheu para o trabalho, de suas inspirações, de suas intuições e da relação que o artista plástico tem com as cores e com o suporte onde quer aplicá-las. Depois do trabalho realizado, a ajuda do curador é essencial para que ele seja visto, e o do crítico, para que não seja execrado. No final, fica a pergunta: o resultado é arte?

Os entrevistados falam sobre assuntos variados, divididos entre seis temas gerais, que englobam desde a criação da obra até a forma como o ela se relaciona com o mundo.

A Margem da Linha é a estréia em direção de longa-metragem da cineasta Gisella Callas. Anteriormente, ela já havia dirigido os curtas de ficção The Main Dish e Do Amor. O documentário também conta com a produção e o roteiro da cineasta, além da direção de fotografia de Carlos Ebert, que trabalhou em filmes como O Bandido da Luz Vermelha.

O filme é dividido em “dimensões”, que discutem o ponto, o plano, o espaço, o tempo, o eterno e o efêmero. Dessa forma, questões como o papel do desenho na arte contemporânea, para que serve a arte, sua espetacularização, o papel da crítica e da curadoria, a cor, a idéia, a inspiração, entre tantas outras, são discutidas.

Além dos três artistas contemporâneos centrais do documentário – Regina Silveira, Sérgio Sister e José Spaniol – críticos como Lorenzo Mammí, curadores como Moacir dos Anjos, o diretor da Pinacoteca de São Paulo Marcelo Araújo e profissionais de áreas diversas, como o físico quântico Lama Padma Samten e o matemático Haron Cohen propõem novos entendimentos sobre os conceitos discutidos pelos artistas. Entre os artistas, há ainda depoimentos de Leda Catunda, Célia Euvaldo, Marco Gianotti, Agnaldo Faria, Nicole Mouracade e Fabiano Marques.

Para pensar a arte hoje. Como conceito e como realização.

fontes: uol/bravo/youtube/e-mail e internet afora

Em curitiba:

A MARGEM DA LINHA
Documentário
Classificação livre

local.: Cinemateca de Curitiba
endereço.: Rua Carlos Cavalcanti – Centro ,1174

Dias 23, 26, 27 e 29 – sessões às 16h e 20h
Dia 25 e 28 – sessão somente às 16h

preço.: Estudante – R$ 2,50; Normal – R$ 5,00 Sessão de Domingo – R$ 1,00

O CORPO NA CIDADE

2009-10-27T10:13:00.000-07:00

O CORPO NA CIDADE – performance em Curitiba

Curadoria e pesquisa

Paulo Reis

Participantes:

Adriana Tabalipa, Ana González, Ary Pára-Raios, Bernadete Amorim, Beto Perna, C. L. Salvaro, Carla Vendrami, Cesar Almeida, Claudia Washington, Cláudio Mello, Clovis Cunha, Couve-Flor Minicomunidade Artística Mundial, Cristiane Bouger, Debora Santiago, Denise Bandeira, Encontros de Arte Moderna, Edilson Viriato, Eliana Herreros, Eliane Prolik, e/ou, Fábio Noronha, Fernanda Magalhães, Fernando Ribeiro, Goto, Hélio Leites, Interluxartelivre, Júlio Manso, Laura Miranda, Lauro Andrade, Laercio Redondo, Leila Pugnaloni, Lilian Gassen, Marga Puntel, Margit Leisner, M. Inês Hamann, Mohamed, Mônica Infante, Octávio Camargo, PH4, Pipoca Rosa, Raul Cruz, Rettamozo, Rossana Guimarães, Sensibilizar, Sergio Moura, Tony Camargo e Yiftah Peled.

Onde:

Centro Cultural Solar do Barão

Rua: Presidente Carlos Cavalcanti, 533.

(41) 3322 1525 e 3321 3367

Abertura

28 de outubro às 19 horas

Bate-papo com o curador

18 de novembro às 19 horas no Centro Cultural Solar do Barão

A exposição permanecerá até 21 de fevereiro de 2010

DOCUMENTARISMO CONTEMPORÂNEO E AS ARTES VISUAIS

2009-08-25T07:25:00.000-07:00

Artistas Cap. 6 - La Fotografia Plastica

2009-08-23T11:14:00.001-07:00

Teun Hocks

Sandy Skoglund

Pierre - Gilles

Ouka Leele

Boyd Webb

Sherrie Levine

Richard Prince

Jenny Holzer

Dara Birnbaum

Barbara Kruger

Martha Rosler

Dennis Adams

Seguem alguns links dos artistas:
http://www.paologioli.it/fotografia2a.htm
http://www.oukaleele.com/
http://www.richardprinceart.com
http://www.jennyholzer.com/list.php
http://www.barbarakruger.com/
http://www.martharosler.net/
http://www.teunhocks.nl/Teun_Hocks/TEUN_HOCKS.html
http://www.sandyskoglund.com/
http://www.baillymaitregrand.com/

2009-08-21T10:29:00.000-07:00

Vermelho [ação/intervenção]

Ação Bate-Papo:

22/08 (Sábado) - 16hs - Sessão de filmes - "TUPAMAROS"

Local: Núcleo de Estudos da Fotografia - Rua Conselheiro Araújo, 315 - fone:3262-1362

www.vermelho2009.wordpress.com

Por que Tupamaros?

Dada - Situacionismo - Tupamaros - Conceitualismo.

No ano de 1970 Luis Camnitzer escreveu esta espécie de genealogia da história da arte, todavia após alguns anos descartou a tentativa de construir uma história da arte por parecer totalizante e redutora. O que permaneceu foi a idéia de que as operações dos Tupamaros eram uma forma válida de arte.

Os Tupamaros (Movimento de Libertação Nacional - Tupamaros) surgiram no Uruguai em meados dos anos 60. As ações realizadas pelos Tupamaros não tinham a estética como preocupação central, e sim a necessidade de comunicar idéias diretamente ao público. Num período em que o Uruguai vivia uma suposta normalidade e formalmente (legal) uma democracia, as ações buscavam desfazer este mito. Apontavam para a construção de uma sociedade aristocrática-autoritária através de um governo que alguns anos mais tarde assumiu-se como mais uma das ditaduras militares latino-americanas.

A "desmaterialização da arte" pensada por Lucy Lippard e John Chandler, entre os anos 60-70, é ,no caso americano e anglo-saxão, uma desmaterialização do objeto enfatizada pela enfaze não-visual dos trabalhos. Em 1967, ano da publicação do artigo "a desmaterialização da arte", Lippard e Chandler diziam que o objeto tornava-se obsoleto e que "qualquer dia, num futuro próximo, será necessário o escritor ser um artista, assim como, um artista ser um escritor".

Para Camntizer a desmaterialização de trabalhos latino-americanos pode ser pensada pela contextualização, ou quem sabe através da politização daquele conceito, em respeito às referências ideológicas que surgem no enfrentamento de problemas sociais.

"Se existe uma linha que separa a arte da política, há dois eventos na América Latina que tocam esta linha [...]. Os Tupamaros exemplificam a política aproximando-se o máximo possível da fronteira artística" (Luis Camnitzer, em Didactica de la liberación: arte conceptualista latinoamericana, p. 65)

Felipe Prando e Milla Jung
Curitiba, 21 de agosto de 2009.

Hoje!!! Abertura da Expo "Entre Prata & Areia" de Guadalupe Presas na Estreita

2009-08-21T05:53:00.000-07:00

2009-08-17T07:09:00.001-07:00

BIENAL VENTO SUL

2009-08-17T07:07:00.000-07:00

Galera estão rolando várias exposições no Solar do Barão, no Mac e no Memorial de Curitiba. Vale a pena ir ver, tem de tudo fotografia, instalação, vídeo, intervenção etc..
www.bienalventosul.com.br

Vermelho [ação/intervenção]

2009-08-12T20:46:00.000-07:00

Acompanhem!!!
http://www.vermelho2009.wordpress.com/

NOVA DATA PARA ABERTURA DA EXPO

2009-08-05T08:07:00.000-07:00

ATENÇÃO!!! Atendendo às recomendações do Ministério da Saúde, no controle da Gripe A (H1N1) para evitar aglomerações, estamos cancelando a abertura da exposição ENTRE PRATA & AREIA, que seria nesta sexta-feira, dia 07/08, e agendando o evento para daqui duas semanas, no dia 21/08/09. Agradeçemos a compreensão de todos!

Expo ENTRE PRATA & AREIA abre nesta sexta na Estreita

2009-08-04T05:33:00.000-07:00

Bas Jan Ader

2009-08-02T18:37:00.001-07:00

Performance para ser fotografada

2009-07-28T08:09:00.000-07:00

Recebi um e-mail do Caio Leão, ex-aluno do Nef com uma dica de um fotógrafo o Liu Bolin.

Este artista é chinês e o seu trabalho tem muita relação com o que acabamos discutindo ontem.

Pensando um pouco sobre a questão colocada pela Guadalupe sobre a perfomance para ser fotografada, aqui fica a dica do material do Liu Bolin.

Ele não faz manipulação para produzir suas imagens, ele se pinta por inteiro e fica simplesmente parado no espaço urbano e acaba passando despercebido. Acho o trabalho dele bem politico, pensando no sistema social, urbano e economico chinês.

Fica aqui algumas imagens e links.

http://noticias.bol.uol.com.br/entretenimento/2009/07/28/ult4738u26311.jhtm

2009-07-17T07:15:00.000-07:00

Olá pessoal,domingo dia 19/07 a partir das 10:00h vou apresentar uma obra no Parque São Lourenço e gostaria de convidar todos vocês para aparecerem por lá.

Este trabalho faz parte do projeto OI Expressões e que conta com mais 8 artistas -Andrea Berriel ,Bebaprafrente ,Cleverson Salvaro, Fernando Rosenbaum Joana Corona, Juan Parada, Nicole Lima e Tom Lisboa.

luana_navarro@hotmail.com
www.luananavarro.com

Sergio Moura

2009-07-13T08:20:00.000-07:00

Oi galera, me chegou hoje o site do Sergio Moura, acho que todo mundo deveria entrar e dar uma olhada porque ele é um artista muito importante em Curitiba e foi o criador do Sensibilizar e do ArtShow, ações (acho que podemos dizer happenings) que aconteceram na década de 80 em Curitiba.

Ai vai o endereço -

http://www.aartedesergiomoura.com.br

Sobre arte conceitual III: ARTISTAS CITADOS

2009-07-12T16:27:00.000-07:00

Seguem alguns dos nomes (com links) que são citados no capítulo 4: Fotografia e Arte Conceitual, do livro La Fotografía Plástica - Un arte paradójico, de Dominique Baque.

Lawrence Weiner, As far as the eye can see, 1988

LAWRENCE WEINER

ART & LANGUAGE (Mulier Mulier Gallery)

VICTOR BURGIN (Artigo do próprio artista - The Separateness of Things)

Victor Burgin - Sections from Office at Nigth, 1986

2009-07-12T15:29:00.000-07:00

I Am Making Art by John Baldessari

2009-07-11T05:33:00.001-07:00

Tem outros no youtube.

Alguns links sobre o John Baldessari

2009-07-11T05:16:00.000-07:00

Se tiverem tempo vale a pena conferir.

www.baldessari.org/

www.tate.org.uk/tateetc/issue13/ninetofive.htm

www.vdb.org/smackn.acgi$artistdetail?BALDESSARI

http://artworksmagazine.com/?p=42

http://tv.rtp.pt/noticias/?t=Baldessari-mostra-em-Lisboa-hibrido-de-pintura-e-fotografia.rtp&headline=20&visual=9&tm=4&article=222474

Sobre arte conceitual II: DEFINIÇÕES

2009-07-09T09:40:00.000-07:00

Caros colegas, algumas definições que auxiliam na compreensão sobre arte conceitual. Confesso que o livro não li inteiro, mas parece interessante. Os demais links, são bem genéricos e superficiais, mas dão pistas e dicas de nomes legais a serem pesquisados. Conforme localizar ouros, posto aqui...

Livro:

ARTE CONCEITUAL, Paul Wood

Mais breves, na web:

Enciclopédia Itau Cultural;

MAC - USP

Arte Prática

Sobre arte conceitual I: CILDO MEIRELES

2009-07-07T06:55:00.001-07:00

Cildo Meireles - ‘Inserções em Circuitos Ideológicos: Projeto Cédula: (Quem Matou Herzog?) 1970

Cildo Meireles - ‘Inserções em Circuitos Ideológicos: Projeto Coca-Cola 1970

O surgimento de Cildo Meireles, como um dos mais significativos artistas brasileiros de sua geração, coincide com o fechamento político provocado pela promulgação do AI-5, em 1968, e o conseqüente desenvolvimento de propostas mais conceituais. (...) Ver texto completo sobre a vida do artista no site:

http://www.macvirtual.usp.br/mac/templates/projetos/seculoxx/modulo6/cildo/index.html

E para aqueles que se aventuram no inglês, no site da Tate Gallery (Tate Modern), com mais trabalhos e infos sobre o artista:

http://www.tate.org.uk/modern/exhibitions/cildomeireles/about.shtm

2009-07-04T16:58:00.000-07:00

Do “isto é belo” para o “isto é arte”

2009-06-27T10:05:00.000-07:00

A partir do texto Kant depois de Duchamp de Thierry De Duve, das discussões realizadas no grupo de estudos e do encontro com Felipe Prando no último dia 08, redigi o texto abaixo com a intenção de expor como venho me relacionando com questões referentes a arte contemporânea e a estética.

Do “isto é belo” para o “isto é arte”

(Luana Navarro)

O texto Kant depois de Duchamp de Thierry De Duve parte de a Crítica da Faculdade do Juízo de Kant para questionar o conceito de estética a partir da obra de Duchamp, do formalismo defendido por Clement Geenberg a partir dos anos 50 e da arte conceitual de Joseph Kosuth.
O texto de De Duve aponta basicamente a passagem do “isto é belo” para o “isto é arte”. O “isto é belo” está calcado na faculdade de juízo de gosto de Kant. Para ele o gosto é a faculdade de julgar o belo e sua principal preocupação é com a beleza da natureza. O julgamento de gosto aplicado ao campo artístico ou a natureza, como fez Kant, é essencialmente sentimental, não cognitivo e gera um prazer contemplativo frente a um objeto, este prazer não depende de um conhecimento ou interesse pelo objeto ele é um prazer subjetivo e segundo Kant presente em todo ser humano.
Durante muito tempo a arte trabalhou sob o conceito do belo, para um objeto ser uma obra de arte ele deveria ser belo, este tipo de arte ficou conhecido como arte retiniana, que desperta um prazer visual e que é agradável aos olhos.
É com Duchamp que esta noção da obra de arte calcada no belo vai ser questionada. Quando ele apresenta em 1913 seu primeiro ready-made, a Roda de Bicicleta e em 1917 a Fonte “ele dá um valor estético para o objeto, por menos estético que ele seja” (CAUQUELIN, 2005, p.94). Com a Fonte (o urinol) Duchamp questiona justamente a estética, a noção de beleza na obra de arte. Para ele a arte não deve ter apenas beleza, mas ela pode justamente se desprender dela, ele sugere um deslocamento.

Duchamp afirmava que seus ready-mades eram escolhidos a partir de um desinteresse ou indiferença visual como declarou:

En 1913 tuve la feliz idea de atar una rueda de bicicleta a un taburete de cocina y verla rodar... en Nueva York, en 1915, compré en una ferretería una pala para la nieve en la que escrebí “in advance of the broken arm”(en previsión de un brazo partido). Fue alrededor de esa fecha cuando pensé en el término ready-made para designar esta forma de manifestación. Un punto que quiero señalar particularmente es que la selección de estos ready-made nunca estuvo dictada por un deleite estético, sino que se basó en una reacción de indiferencia visual combinada con una ausencia total de buen o mal gusto..., en resumen, de una anestesia total. (SCHNECKENBURGER, 2005, p. 457)

Para Thierry De Duve “a indiferença visual absoluta é impraticável” e para ele a resposta colocada pelos artistas posteriores a Duchamp vem com Kosuth através da arte conceitual que pensa a estética e a arte em âmbitos diferentes.
Apesar de algumas aparentes contradições,Duchamp abandona a figura do artista sofredor, dotado de um dom superior e revela um artista questionador que não se limita mais ao saber fazer, a técnica, suas obras impossibilitam o juízo de gosto no sentido kantiano, ou seja, ele dessacriliza o objeto artístico e assim dá vasão ao tipo de arte que será produzida pelos artistas minimalistas, conceituais, da pop-art, body art, happenings e contemporâneos.
Os readymades de Duchamp causaram muitos questionamentos no meio artístico e muitos críticos afirmaram que o que ele fazia não era arte, suas obras transtornaram o meio artístico por colocarem em questão também os espaços legitimadores da arte, como afirma Cauquelin (2005, p.94) a respeito de seus ready-mades: “Em relação a obra, ela pode então ser qualquer coisa, mas numa hora determinada. O valor mudou de lugar: está agora relacionado ao lugar e ao tempo, desertou o próprio objeto”.
O fato de a arte não conter mais um valor objetual foi o mote usado por Clement Greenberg para realizar diversas criticas a Duchamp. É necessário compreender que Clemente Greenberg foi um dois maiores críticos norte-americanos de arte e o maior defensor do modernismo. Greenberg aponta ironicamente que a partir dos ready-mades qualquer objeto pode ser experimentado esteticamente e a arte então pode ser realizada em qualquer lugar por qualquer pessoa. Este tipo de relação com a arte era para ele inaceitável já que para ele uma obra de arte que não tem estética não é arte. Greenberg defende alguns preceitos da arte como a autonomia das disciplinas, a especificidade técnica, a autenticidade da obra, a originalidade e a singularidade do autor, por isso ele não teve interesse nenhum por movimentos da década de 60, como o Fluxus. Para Greenberg interessava uma arte que pensasse a si própria e a pintura e a escultura eram para ele campos artísticos superiores aos demais, para ele a visão era um sentido superior, portanto a arte retiniana continuava a ser para ele a arte aceitável.
A partir dos ready-mades e do formalismo americano emerge na década de 60 a arte conceitual, tendo como um dos artistas mais importantes Joseph Kosuth. Para ele arte e estética encontram-se em “lugares” diferentes e é através do conceito que Kosuth vai desenvolver seus trabalhos. Kosuth costumava afirmar que depois de Duchamp toda arte é conceitual. Ele vê a arte como um processo cognitivo e em seus textos critica a postura de Greenberg:

A arte formalista (pintura e escultura) é a vanguarda da decoração e a rigor, seria possível afirmar de maneira razoável que a sua condição artística é tão reduzida que para todos os propósitos funcionais nem mesmo se trata de arte, mas de puros exercícios no campo da estética. Clement Greenberg é, acima de tudo, o crítico do gosto. Por trás de cada uma de suas decisões há um juízo estético, sendo que esses juízos refletem o seu gosto. E o que o seu gosto reflete? O período em que ele cresceu como crítico, o período “real” para ele: os anos 50. (KOSUTH in FERREIRA, COTRIN, 2006, p. 215)

Kosuth e outros artistas conceituais vão produzir obras cada vez mais imateriais muitas vezes lidando apenas com palavras/conceitos, como é o caso de Douglas Huebler que escreveu em 1969 : “The world is full of objects, more or less interesting. I do snot wish to add any more”. Kosuth aponta em A arte depois da Filosofia que é a partir de 1966 que ele começa a realizar sua série de trabalhos “Art as idea” a começar por sua obra Water em que ele apresenta a descrição do dicionário da palavra água.
Kosuth rejeitou a estética em si, Duchamp rejeitou a estética formalista e tendo como legado ambos os artistas a dupla Ian e Elaine Baxter, citados no texto de De Duve, iniciaram seus trabalhos na década de 60 denominando-se N.E. Thing Company e dividindo seus trabalhos em duas categorias: ACT e ART. “ACT significando Aesthetically Claimed Things (Coisas consideradas estéticas) e ART, Aesthetically Rejected Things (Coisas rejeitadas esteticamente). Os trabalhos considerados ACT são menos teóricos e sugerem mais a indução de experiências que não são necessariamente categorizadas no campo artístico, podemos pensar aqui como exemplo o grupo Fluxus. Já os trabalhos ART fazem questão da “remoção da qualidade estética” na obra.

Os dois problemas referentes à arte conceitual têm sido frequentemente enfatizados. Visto que trabalhos de ART, são objetos, não podem negar possuir propriedades visuais que o colocam à mercê de uma apreciação estética. E, se os trabalhos de ACT não são colocados num contexto artístico ou comunicados ao universo da arte, correm o risco, como Greenberg suspeitava de serem produzidos solipsísticamente, senão inadvertidamente. (DE DUVE, 1998, p. 133 )

A partir do confronto entre formalismo e conceitualismo, Thierry De Duve não procura encerrar a discussão sobre estética, pelo contrário ele pretende expandir a discussão sem premonições conclusivas. Para ele “tanto o formalismo quanto o conceitualismo permanecem insatisfatórios”. Ele aponta ainda, que os ready-mades não são desprovidos de estética, mas sim possuem um julgamento estético reflexivo:

A menos que antinomia entre formalismo e conceitualismo, entre ACT e ART, entre modernismo e vanguardismo, entre o modo tradicional e a “tradição do novo”, ou entre a linhagem da arte moderna de Picasso – e do Dadaísmo -, deva permanecer para sempre sem solução, e o dilema histórico resultante não possa afrouxar seu poder sobre o atual universo da arte hoje, a afirmação “isto é arte”, por meio da qual um readymade tanto é produzido como trabalho de arte quanto julgado como tal deve ser entendido como um julgamento estético reflexivo com reivindicação de universalidade no estrito sentido kantiano. (DE DUVE, 1998, p. 146 )

Em Kant depois de Duchamp além de expor as questões colocados por Duchamp, Clement Greenbeg e Joseph Kosuth, Thierry De Duve ao relacionar o “isto é belo” ao “isto é arte” substitui no texto de Kant a palavra belo por arte e constrói o texto, assim como Kant, expondo sempre a idéia de Tese e Antítese subentendo-se que o duelo se dá entre formalismo e conceitualismo. Assim De Duve apresenta a resolução da antinomia moderna como sendo:

Tese. A afirmação “isto é arte” não se baseia no conceito de arte, mas no sentimento estético artístico.
Antítese. A afirmação “isto é arte” assume o conceito de arte; assume a idéia estética/artística. (DE DUVE, 1998, p. 146)

Para De Duve gosto e gênio são a mesma coisa e ambos constituem a criatividade, que tem sua existência por ele questionada, no entanto considerada inerente a todo ser humano. Como ele aponta a seguir:

Convicção não é a base para julgamentos, mas um resultado reflexivo do pensamento. “Gosto” e, depois, “arte” representavam esse tipo de convicção. Que nome terá no futuro, eu não sei. E não posso listar aqui todos os trabalhos da modernidade que pessoalmente considero convincentes; mas com certeza o urinol de Duchamp está entre eles. Seu valor exemplar é mais do que estético; é simbolicamente ético, como deveria ser. É também teórico, o que me leva a afirmar minha última convicção, que não posso provar, mas que está tão próxima de Kant quanto da ciência contemporânea. Se criatividade existe e será fértil ou se é meramente uma Idéia reguladora para a cultura pós-moderna, não posso dizer, mas estou convencido de que, se ela existe, é uma faculdade tanto inata quanto adquirida, ou melhor, já codificada em nossos genes e ainda por ser adquirida ao longo da história, porque é inseparável do fato de que os humanos são “programados” para nascer prematuramente, inseparáveis da incompletude de seu sistema nervoso central e da decorrente, frágil e seletiva vantagem que, para o melhor ou o pior, força todo homem e mulher a relacionar seu crescimento pessoal ao progresso cultural da espécie. Sob esse ângulo, é falsa a escolha entre moderno e pós-moderno; ambos são e sempre serão prematuros. (DE DUVE, 1998, p. 149)

Sim, a arte depois de Duchamp é conceitual e sem dúvida seus objetos alteraram a natureza da arte, a questão é que a arte precisa reinventar sua natureza o tempo todo. Como colocou o Felipe Prando no último encontro, podemos nos perguntar qual é o interesse da arte contemporânea que parece lidar cada vez mais com o inapreensível? O interesse parece ser mais na circulação de um problema posto pela obra do que propriamente a obra. A arte contemporânea exige um espectador disposto a jogar com a obra, desprendido de juízo de gosto e disposto a envolver-se por uma questão ou experiência colocada pela obra.
Marcel Duchamp influencia a arte contemporânea não por sua estética, mas por sua relação com o campo artístico que sugere questionar a própria arte e suscitar novas questões, não interessa mais obter respostas e sim obter perguntas.

Bibliografia
CAUQUELIN, Anne. Arte Contemporânea: uma introdução. São Paulo: Martins, 2005.
DE DUVE, Thierry. “Kant depois de Duchamp”. In Revista do Mestrado em História da Arte. nº 5. EBA/UFRJ, 1998. p. 125 – 149.
FERREIRA, Glória. COTRIN, Cecília. (org.). Escritos de Artistas: anos 60/70. Rio de Janeiro: Jorge Zahar, 2006
SCHNECKENBURGER, Manfred. FRICKE, Christiane. HONNEF, Klaus (org). ARTE del sigloXX – volume II, Köln: Taschen, 2005.

Sequência de apresentação La fotografia plastica - Dominique Baque

2009-06-25T06:43:00.000-07:00

Dia 29/06
Cap. I Artes de actudi … Luana
Cap. II Una entrada en arte paradójica – Gustavo

Dia 06/07
Cap. III Legitimaciones teóricas – Lídia
Cap. IV Fotografia y arte ... Guadalupe

Dia 13/07
Cap. V Deconstrucción de paradigma ... – Patrícia
Cap. VI Apropriaciones ... Elis

Dia 20/07
Cap. VII El mestizaje posmoderno ... – Elenize
Cap. VIII Rastros, huellas y vestígios - Luana

2009-06-22T06:00:00.000-07:00

NOSSO PRÓXIMO ENCONTRO SERÁ NO DIA 29/06

Nuno Ramos - Hora da Razão (Choro negro 2)

2009-06-15T05:33:00.001-07:00

Continuando a discussão por e-mail - A obra de arte na era de sua reprodutibilidade técnica

2009-06-13T07:27:00.000-07:00

E-mail Lidia

Aproveitando a aula de História do Corpo, que tivemos na pós, vou escrever um pouco do que foi visto em sala sobre o contexto histórico... conforme minhas anotações, bem superficiais. (Lupe se algo estiver errado, me corrija por favor)

- Período da guerra total: exércitos gigantescos; civis no exercito; envolvimento de toda sociedade; homens vão p/ guerra; mulheres vão para as fábricas; dilui-se o limite entre civis e soldados, pois civis também participavam indiretamente das guerras
- Sociedade industrial: urgência da guerra - desempenho militar depende do desenvolvimento industrial- Biopoder: poder regulador, voltado ao corpo coletivo, por conta da industrialização e da guerra total, os corpos passaram a ser um bem coletivo nacional. Estado otimiza a vida (surgem as estatísticas, higiene, contr. populacional, aposentadorias, dietas para trabalhador...). Otimiza os corpos para produção nas fábricas e para guerra.
- Estado totalitário: destrói inimigos objetivos, pelo que é e não pelo que faz - judeus, comunistas, negros, deficientes, ciganos... grupos "perigosos" - o povo alemão se convenceu da idéia e se deixou controlar (medo social)
- Nazismo: utiliza de discurso imagético, baseado no determinismo biológico (raças, eugenia...)
- Cinema: veículo ideológico - estética da política
Como podemos trazer isso tudo para os dias atuais?
- Guerra à distancia, é só apertar um botão. Sociedade não se envolve mais.
- A televisão é a pricipal mídia formadora de mentalidades?
- Alienação: entretenimento?
- "Inimigos": Terroristas, favelas...
- Capitalismo: cria necessidades, consumo de massas
- Clonagem, cibernética, nanotecnologia... simulacro...
- Quais são os interesses, quem comanda e quais são os meios?

E-mail Luana

Então continuando da parte Estética da Guerra, me parece que o Benjamin quando escreve ˝a reprodução em massa corresponde de perto a reprodução das massas˝ acho que ela está colocando uma reprodução de comportamento, um comportamento homogêneo que vai se estabelecendo, hora com a sociedade de consumo e as necessidades que ela cria hora com a manipulação dos meios de comunicação em serviço desta sociedade ou em serviço mais especificamente da guerra. Nestre trecho Estética da Guerra ele não cita, mas está falando claramente da Leni Riefenstahl.

˝Na época de Homero, a humanidade oferecia-se aos deuses olímpicos, agora ela se transforma em espetáculo para si mesma. Sua auto-alienação atingiu o ponto que lhe permite viver sua própria destruição como um prazer estético de primeira ordem. ˝ (Benjamin)

˝A alienação do espectador em favor do objeto contemplado se expressa assim: quanto mais ele contempla, menos vive; quanto mais aceita reconhecer-se as imagens dominantes da necessidade, menos compreende sua própria existência e seu próprio desejo. Em relação ao homem que age, a exterioridade do espetáculo aparece no fato de seus próprios gestos já não serem seus, mas de um outro que os representa por ele. É por isso que o espectador não se sente em casa em lugar algum, pois o espetáculo está em toda parte. ˝ (Guy Debord – A Sociedade do Espetáculo)

Aqui deixo uma passagem da Susan Sontag em Sob o signo de Saturno

˝O que é interessante na relação entre política e arte sob o nacionalsocialismo não é que a arte estava subordinada a necessidades políticas, pois isto é verdade tanto em ditaduras de direita quanto de esquerda, mas que a política apropriou a retórica da arte – a arte na sua fase romântica tardia. ( A política ˝é a mais elevada e mais compreensiva de todas as artes˝, disse Goebbels em 1933, e ˝nós que formulamos a nova política alemã, nos sentimos como artistas)

O triunfo da vontade

2009-06-09T10:56:00.000-07:00

Para quem não viu ainda ai vai um trecho de O Triunfo da Vontade, filme dirigido por Leni Riefenstahl e que mostra o grande encontro nazista de Nurembergue e claro é uma propaganda nazista.
No xerox eu deixei um texto da Susan Sontag intitulado Fascinante Fascismo em que ela faz um critica muito interessante a Leni Riefenstahl e a estética nazista.
Este texto está no livro Sob o signo de Saturno da Susan Sontag nele ainda tem um ensaio sobre o Benjamin e o Barthes, vale a pena dar uma olhada!

O primeiro longa foi: A BRANCA DE NEVE E OS SETE ANÕES

2009-06-09T07:33:00.000-07:00

"Mickey Mouse was created in 1928, and his talents were first used in a silent cartoon entitled "Plane Crazy." Before the cartoon could be released, however, sound burst upon the motion picture screen. Thus Mickey made his screen debut in "Steamboat Willie," the world's first fully synchronized sound cartoon, which premiered at the Colony Theatre in New York on November 18, 1928. Walt's drive to perfect the art of animation was tireless. Technicolor was introduced to animation during the production of his "Silly Symphonies." In 1932, the film "Flowers and Trees" won Walt the first of his 32 personal Academy Awards®. In 1937, he released "The Old Mill," the first short subject to utilize the multiplane camera technique.

On December 21 of that same year, "Snow White and the Seven Dwarfs," the first full-length animated musical feature, premiered at the Carthay Circle Theater in Los Angeles. Produced at the unheard-of cost of $1,499,000 during the depths of the Depression, the film is still considered one of the great feats and imperishable monuments of the motion picture industry. During the next five years, Walt completed such other full-length animated classics as "Pinocchio," "Fantasia," "Dumbo," and "Bambi."

In 1940, construction was completed on Disney's Burbank studio, and the staff swelled to more than 1,000 artists, animators, story men, and technicians. During World War II, 94 percent of the Disney facilities were engaged in special government work, including the production of training and propaganda films for the armed services, as well as health films that are still shown throughout the world by the U.S. State Department. The remainder of Disney's efforts were devoted to the production of comedy short subjects, deemed essential to civilian and military morale". (...)

Confiram toda a biografia e história de Walt Disney no site oficial da companhia: http://disney.go.com/vault/read/walt/index.html

Ciclo de Palestras - DeArtes / UFPR - A vida fala de arte

2009-06-08T08:41:00.000-07:00

Documentário - Arquitetura da destruição (Peter Cohen)

2009-06-02T05:09:00.000-07:00

2009-05-30T06:57:00.000-07:00

Próximo encontro dia 01/06 nesta segunda-feira.

Evgen Bavcar

2009-05-26T05:42:00.000-07:00

"O aparelho fotográfico não pode pensar por mim"

" É igualmente verdade que quanto mais se desenvolve o mundo visual, mais extenso fica o mundo invisível"

(Evgen Bavcar)

Martin Pluddemann

2009-05-26T05:38:00.000-07:00

Siteseeing (2008)

Seven Seas (2008)

Direkt (2009)

Last Sleep (2008-video)

http://www.martinplueddemann.de

Referências do último encontro

2009-05-18T18:21:00.000-07:00

Atget /Christopher Rauschenbergue

http://www.christopherrauschenberg.com/

Erna Lendvai-Dircksen

Helena Almeida, Estudo para um enriquecimento interior, 1977-78

2009-05-14T07:49:00.000-07:00

EUGÉNE ATGET

AUGUST SANDER

Orlan

2009-05-11T19:05:00.000-07:00

Esta semana estamos tendo na pós o módulo de História do corpo e como não tivemos nosso encontro hoje, compartilho aqui com vocês algumas informações.

Orlan é uma artista francesa que vive nos EUA e há vários anos vem realizando uma série de modificações facias. Suas cirurgias são transmitidas ao vivo, aqui seguem algumas imagens.

www.orlan.net

Obrigadas...

2009-05-10T14:43:00.000-07:00

Queria manifestar aqui meu agradecimento pelas boas horas, que passaram tão rápido, em nosso último encontro com a presença da Profa. Luciana. Também aproveito para agradecer a Luana pelo empenho e competência em gerenciar o grupo!!! E vamos que vamos...

Trabalhos apresentados no último encontro

2009-04-25T06:01:00.000-07:00

Jean Baudrillard

Philipe Ramanet

Monica Jacobo

http://www.monicajacobo.com.ar/

Mathieu Bernard-Reymond
http://www.monsieurmathieu.com/

George Rousse
http://www.rousseprojectdurham.com/

Ellen Kooi

http://www.ellenkooi.nl/

Um homem com uma câmera

2009-04-25T05:58:00.000-07:00

Para quem não foi ao Grupo de Estudos aqui fica a dica de filme.
Assistimos ontem ao filme Um homem com uma câmera do Dziga Vertov.

Lista de blogues

2009-04-17T07:12:00.000-07:00

Está disponível a lista dos blogues dos membros do grupo.

Por hora tenho esses, mas se alguém ficou de fora, passe que já adiciono!

provocações à conversa em 13/04/09.

2009-04-14T07:21:00.000-07:00

Olá,
os sites apresentados ontem foram:
Michael Wolf, J-F Rauzier e o gigapan da posse do Obama.
O daguerreótipo da posse do Obama está aqui. Feito por Jerry Spagnoli, o mesmo autor do daguerreótipo do 9/11 que o João mostrou ontem.

Mesas da BOLSA PRODUÇÃO PARA ARTES VISUAIS 3

2009-04-14T04:10:00.000-07:00

CONVITE BOLSA PRODUÇÃO PARA ARTES VISUAIS 3

Mesa redonda, lançamento de catálogo, conversas entre público e artistas Museu da Gravura Cidade de Curitiba Sala Scabi, 2º andar, bloco central
Rua Carlos Cavalcanti 533

14 de abril 19h
Lançamento do catálogo Bolsa Produção para Artes Visuais 3 + 19:30h - Mesa redonda – Mário Ramiro (artista e curador), Daria Jaremtchuk (historiadora de arte e curadora), Goto (artista e curador), Ana González (artista e coordenadora do programa do edital Bolsa Produção para Artes Visuais) e Elvo Benito Damo (artista e instrutor do atelier de Escultura do Centro de Criatividade de Curitiba), membros da Comissão de Seleção de projetos do edital.

15 de abril às 19h
Artistas encontram o público 1 – Marcelo Scalzo, Gláucia Flügel, Juliana Burigo, Ana Godoy, Glauco Salamunec.

16 de abril às 19h
Artistas encontram o público 2 – Claudia Washington, Orquestra Organismo (Lúcio de Araújo, Simone Bittencourt e Guilherme Soares), Milla Jung, Couve-Flor Mini Comunidade Artística Mundial (Elisabete Finger, Neto Machado e Ricardo Marinelli), Fábio Noronha, Marga Puntel, Lílian Gassen.

Design de Matrix e a Indústria Cultural

2009-04-07T21:53:00.000-07:00

Se a realidade existe a gente não

precisa acreditar nela. (...) A única chance de a

realidade existir é nós não acreditarmos nela…”

Baudrillard em Entrevista a Sheila Leirner

(indicada por Elis).

Tal epígrafe indica que a narrativa do filme Matrix me interessa muito pouco na sua história em si, escrita e dirigida por dois irmãos. O que não repudio é que tal filme é um marco da Indústria Cultural, indicando a necessidade de pensarmos a idealização midiática da inteligência humana, que tem nos levado inexoravelmente a conceitos baratos. A escolha do filme Matrix para falar de noções importantes para quem pensa a imagem advém da tamanha evidência aí de nossa condição atual, submetidos pelas imagens técnicas, produzidas por funcionários, dependentes de programas.

Escrevo a seguinte introdução para o Grupo de Estudos Fotografia e Imagem (coordenado por Luana Navarro) apropriando-me das noções de Vilém Flusser, principalmente das reflexões que ele nos provoca com seus Ensaios para uma futura filosofia da fotografia ou simplesmente Filosofia da Caixa Preta, primeiro texto trabalhado pelo Grupo. Assim, para quem se interessa por outra leitura mais específica do filme em si indico um artigo do psicanalista Davy Bogomoletz, Reflexões sobre Matrix, disponível aqui.

Mas confesso que tentei me limitar apenas à história do filme, o que de cara já me trouxe tanta complicação que estranhei muito:

- Acorde, Neo...

- A Matrix te achou...

- Siga o coelho branco.

Logo no início do filme a apreensão toma conta do público. Não se sabe o que está acontecendo. Um clima de suspense paira no ar: quem é Matrix? Neo? Coelho branco? Que teria a ver com Alice e seu mundo das maravilhas?

- toc, toc, Neo... (ainda em verde, na tela do computador)

- (batidas na porta)

Um mundo virtual se choca com um real. Uma forte tensão é inevitável. Numa boate psicodélica, Neo (“novo”, anagrama de One, “um”, e de Eon, variante de Aeon, "eterno") encontra-se pela primeira vez com Trinity (“trindade” em inglês).

A jovem “trindade” que, momentos antes, se apresentara ao público assassinando policiais assustados ante sua agilidade nas artes marciais também é um mistério. Decidida, ela aproxima-se de Neo num delicado movimento de sensualidade. Com seu rosto de expressões graves e um olhar penetrante, deixa Neo (e os expectadores) desnorteados. A música eletrônica da boate, ao fundo, parece acompanhar o ritmo das palavras de Trinity, que faz ecoar uma dúvida eterna da humanidade (parece que ela tem as respostas para uma dúvida que angustia os humanos há milênios, para não dizer desde sempre):

- Sei porque você está aqui Neo... sei porque mal dorme, porque mora sozinho e porque noite após noite senta-se ao computador...

(desce o som)

- Você o está procurando. Eu sei porque também já procurei a mesma coisa. E, quando ele me encontrou, sabia que não era por ele que procurava. Eu procurava uma resposta. É a pergunta que nos impulsiona, Neo. Foi a pergunta que te trouxe aqui.

Neste momento todos os corações da platéia deveriam ecoar em coro com as batidas da música techno que toca ao fundo da cena. Escutando suas batidas apertadas e angustiadas o peito de cada um deveria se abrir à grande narrativa que promete coisas boas. Uma doidera não querer entrar cena adentro. Afinal, qual é a alma que não é movida por suas incertezas, qual coração não deseja reconfortar-se num ponto que seja certo, qual corpo não estremece ao saber que nada pode saber? Quantos espíritos determinados não se aplicaram durante toda a vida na busca da possibilidade de formular uma pergunta, ao menos, que indique um caminho a se seguir?

As dúvidas, ou melhor, a dúvida do personagem Thomas A. Anderson, conhecido no mundo virtual como Neo, passa a ser também a dúvida que se inflama no peito do expectador ardoroso por desvelar tantos mistérios:

- O que é a Matrix?

Mas, afinal, essa é mesmo a dúvida do expectador (e de toda a humanidade milenar)? Ou é apenas a do personagem Neo? Os irmãos Wachowsky (roteiristas e diretores do filme) não conseguiram fazer de Matrix um filme que arrecadou U$$ 460 milhões, foi o primeiro da História a vender mais de um milhão de DVD’s e ainda revolucionou o mundo cinematográfico apenas com seus efeitos especiais bem bolados e com seu roteiro intrigante, não. Eles foram a fundo. Ao menos no que diz respeito à inteligência de construir um filme Hollywoodiano.

O filme Matrix é espetacular produção da Indústria Cultural. Lançado em março de 1999, ele teve a idéia nada ingênua de preencher o abismo que apavorava a velha nova Humanidade com seu terceiro milênio, início de uma época de crenças (e dependências) nas tecnologias cibernéticas.

Encheu tal demanda com uma mistura cosmogônica hollywoodiana de signos e símbolos sem fim. Algo que nem mesmo as maiores alegorias carnavalescas do mundo conseguiram, mas pretendem. Entretanto, diferentemente dos rituais carnavalescos que produzem um espetáculo construído com alegorias abertas às performances imprevisíveis dos celebrantes, o filme Matrix simula uma alegoria plausível através de fetiches nas imagens, ao contrário dos objetos fetiches vividos em rituais carnavalescos. Se o valor de culto dos objetos abertos à experiência performática passa a ter apenas valor de exposição na tela da TV, do Cinema e agora do Computador, o filme Matrix é significativo por seu valor negativo e sintomático da Simulação midiática atual.

A seqüência lógica de outros filmes de ficção científica como Metrópolis (1927), 2001 – Uma Odisséia no Espaço (1968), Star Wars (1977) e Exterminador do Futuro (1984), nos mostra a perca de qualidade reflexiva própria de cada filme pela ascendente ânsia por grana rápida e a forma indolente com a qual os chamados conceitos baratos têm assumido algumas teorias conceituais que por vezes tentaram ser preservadas e assim preservar a inteligência do mundo ocidental.

Sempre que essas estruturas conceituais foram re-significadas o mundo ocidental mudava progressivamente seus caminhos. Pensando desta maneira poderíamos acreditar que o mundo do ocidente, regido pela Indústria Cultural, caminha para a estupidificação de nosso imaginário. Novamente me vem a pergunta: por que então resgatar esse filme para fazer um vídeo introdutório à Flusser?

Não consigo acreditar que Vilém Flusser foi um otimista. A Filosofia da Caixa Preta é um alerta que nos situa na vida contemporânea e nos provoca a pensarmos outras maneiras, outras possibilidades de produção cultural.

Apesar de se darem em softwares, as tecnologias contemporâneas podem mudar as experiências performáticas, que celebram a cultura, de maneira irreversível. Encontrar novas maneiras de celebrar a cultura como vínculo entre homens e mulheres é encontrar uma saída para as formas opressoras da simulação midiática.

Segue assim a músicotextovídeo-montagem:

street view e o terremoto

2009-04-07T09:34:00.000-07:00

Seguindo o link, um interessante novo caso de uso das imagens técnicas nos nossos tempos. O uso do street view no terremoto em L'Aquila. No Google street view é possível passear em L'Aquila antes do terremoto.

"A Aventura de um Fotógrafo"

2009-04-07T06:52:00.000-07:00

Este é o conto do Italo Calvino, que o João comentou ontem, se encontra no livro: "Os amores difíceis", vou ver se consigo na íntegra, enquanto isso não rola, segue um trechinho:
"Dobrou as pontas dos jornais num enorme embrulho para jogá-lo no lixo, mas primeiro quis fotografá-lo. Acendeu um refletor; queria que em sua foto se pudessem reconhecer as imagens meio emboladas e despedaçadas e ao mesmo tempo se sentisse sua irrealidade de sombras casuais de tinta, e ao mesmo tempo ainda sua concretude de objetos carregados de significado, a força com que se agarravam à atenção que tentava expulsá-las. Para conseguir colocar tudo isso numa fotografia era preciso conquistar uma habilidade técnica extraordinária, mas só então Antonino poderia parar de fotografar. Esgotadas todas as possibilidades, no momento em que o círculo se fechava sobre si mesmo, Antonino entendeu que fotografar fotografias era o único caminho que lhe restava, aliás, o único caminho que ele havia procurado até então."

O personagem Antonino fotografa o vazio, a ausência de sua companheira após ser abandonado por ela.

E procurando maiores informações sobre esse conto do Calvino, encontrei uma entrevista de Baudrillard de 1999, feita por Sheila Leirner (na internet) que acho que tem uma ligação com o que temos discutido:

(trechos)

S.L. - Antes você não pensava assim. Lembro-me que há alguns anos dizia não estabelecer nenhuma relação entre escrever e fotografar. E que se existia algo em comum era seguir essa coisa que está do outro lado do sujeito, perto do objeto, essa coisa irredutível, que tem uma ausência própria. Você não procurava captar a realidade dos objetos, não queria interpretá-los, decifrá-los…
J.B. - É verdade. Contudo, o que eu busco agora é tomar os objetos em sua literalidade, antes que comecem a "significar". É um pouco como a linguagem poética que consegue existir antes de adquirir um sentido. Quando você escreve teoria, é difícil chegar lá pois o discurso tem sempre um significado. Mas às vezes você entra numa linguagem quase poética, mesmo na teoria…

S.L. - Você sempre diz que não é artista, mas toma os objetos em sua literalidade, em seu "punctum" que você descobre com a sua pura sensibilidade, e, como os poetas, tenta fazê-los existir antes que adquiram um sentido. Você sabe bem que a arte não é apenas uma questão de estética e a arte conceitual está aí para provar isso. Pois que só pensa pelos contrários, talvez você seja um artista apesar de você, não?

J.B. - As vezes essa é a melhor maneira de sê-lo (Risadas)! Mas, veja bem, como você diz, o livro de Barthes não é um livro de fotógrafo. Pode ser visto como um livro metafísico, de teoria, de um pensador. A foto o interessa tanto quanto o texto. Que prazer e paixão pode-se ter por uma imagem, e não apenas o prazer estético. Não é nem mesmo do nível do julgamento estético, pois o "punctum" está além dele, é uma forma de sedução instantânea. É um malentendido falar de sujeito e objeto nessas histórias. Mas é preciso pensar também que é um mito que nós possamos estar além do julgamento. Evidentemente existe sempre o julgamento, como existe sempre o discurso, como sempre existe uma escolha, uma afinidade… é como nas relações pessoais. Mas não sou um artista. A minha jogada é muito mais da ordem do fatal do que do conceitual ou do estético.

S.L. - Antes você não pensava assim. Lembro-me que há alguns anos dizia não estabelecer nenhuma relação entre escrever e fotografar. E que se existia algo em comum era seguir essa coisa que está do outro lado do sujeito, perto do objeto, essa coisa irredutível, que tem uma ausência própria. Você não procurava captar a realidade dos objetos, não queria interpretá-los, decifrá-los…
J.B. - É verdade. Contudo, o que eu busco agora é tomar os objetos em sua literalidade, antes que comecem a "significar". É um pouco como a linguagem poética que consegue existir antes de adquirir um sentido. Quando você escreve teoria, é difícil chegar lá pois o discurso tem sempre um significado. Mas às vezes você entra numa linguagem quase poética, mesmo na teoria…

S.L. - Você sempre diz que não é artista, mas toma os objetos em sua literalidade, em seu "punctum" que você descobre com a sua pura sensibilidade, e, como os poetas, tenta fazê-los existir antes que adquiram um sentido. Você sabe bem que a arte não é apenas uma questão de estética e a arte conceitual está aí para provar isso. Pois que só pensa pelos contrários, talvez você seja um artista apesar de você, não?

J.B. - As vezes essa é a melhor maneira de sê-lo (Risadas)! Mas, veja bem, como você diz, o livro de Barthes não é um livro de fotógrafo. Pode ser visto como um livro metafísico, de teoria, de um pensador. A foto o interessa tanto quanto o texto. Que prazer e paixão pode-se ter por uma imagem, e não apenas o prazer estético. Não é nem mesmo do nível do julgamento estético, pois o "punctum" está além dele, é uma forma de sedução instantânea. É um malentendido falar de sujeito e objeto nessas histórias. Mas é preciso pensar também que é um mito que nós possamos estar além do julgamento. Evidentemente existe sempre o julgamento, como existe sempre o discurso, como sempre existe uma escolha, uma afinidade… é como nas relações pessoais. Mas não sou um artista. A minha jogada é muito mais da ordem do fatal do que do conceitual ou do estético.

S.L. - Depois a coisa pode entrar na historia da arte…

J.B. - Depois a coisa pode entrar na historia da arte, mas é uma outra existência. O "punctum" é uma matriz que escapa à toda categoria institucional enquanto ele existe, depois ele cai no mundo, na mundaneidade estética, e ninguém mais é responsável. Mas eu acho que existe um verdadeiro segredo onde as coisas aparecem e se produzem sozinhas, possuem uma forma de poder e de ilusão. A questão que atravessa o livro de Barthes é "onde está a realidade?". O que você busca, por meio da imagem, é por em jogo essa realidade e verificar, paradoxalmente, que o mundo não é real. Há uma ilusão fundamental que é preciso conseguir captar. Depois, bem, a realidade existe também. Ela existe mas, sou agnóstico, não acredito nela.

S.L. - Porque não ?
J.B. - Se a realidade existe a gente não precisa acreditar nela. Pois se acreditarmos, ela torna-se um objeto de credo. E se for um credo, então deixa de ser uma realidade objetiva. Se ela é uma realidade objetiva, não precisa que nós acreditemos nela pois é objetiva. Porém, se você acreditar nela, ao contrário, você não a estará honrando como uma objetividade e ela passa a não existir mais. É como Deus, você entende? Se você começa a acreditar nele, ele não existe mais enquanto Deus. Torna-se um objeto de credo. E isso não O honra muito, pois na sua Existência Ele não tem nenhuma necessidade que as pessoas acreditem Nele. A única chance de a realidade existir é nós não acreditarmos nela…

S.L. - Pensando bem, não ficou na lembrança muita coisa importante escrita sobre a fotografia. Tem você, Barthes, Susan Sontag, Flusser…

J.B. - É verdade. Mas você sabia que existe um texto fundamental de Italo Calvino sobre a fotografia que ninguém conhece, que se chama "A aventura de um fotógrafo" e que está num livro que se chama "Aventuras" ? Extraordinário ! Nem é preciso mais escrever sobre a fotografia pois tudo está lá. São dez páginas onde ele conta a história de alguém em seu processo de se tornar um fotógrafo. Esse personagem fotografa obsessivamente a sua amante em todas as posições, ela se cansa, o abandona, e ele começa a fotografar todos os objetos que estão lá no mesmo espaço. Contenta-se em fotografar eternamente tudo, e a história termina num delírio…

S.L. - Esse paroxismo o seduz ?

J.B. - É verdade que se estivermos possuídos pelo demônio da fotografia, a coisa termina num delírio, pois uma máquina técnica como essa é delirante em si, lhe dá todas as possibilidades e abre para a loucura!

S.L. - Essa loucura não está relacionada também com o tempo ? Segundo certos fotógrafos, mesmo os mais acadêmicos, existe uma angústia muito grande no delírio temporal. Ali, o presente concreto que pede para ser captado acontece numa fração de segundo, o que é desagradável e maravilhoso simultaneamente.

J.B. - É essa a diferença entre a fotografia e uma atividade estética como o desenho, por exemplo. O "punctum" não está apenas na idéia, está também no tempo. Quer dizer, existe um momento irreversível, imediatamente terminado e os fotógrafos têm razão.

S.L. - Muito embora você esteja no sentido inverso dos fotógrafos acadêmicos, que partem desse "instantâneo", que é o "punctum" no tempo, para fazer uma obra pictórica e linear, que é oposta a ele…

J.B. - Sem dúvida. Para mim a fotografia não acontece senão sob a base da desaparição da vontade estética, apenas como objeto puro…

S.L. - Aí entra a questão da ficção. Uma vez que você toma o "objeto puro" como personagem "em via de aparição" num mundo em cuja realidade não acredita, você está criando uma ficção para que ele exista. Um cenário artificial, composto por meio da fotografia, para abrigar a sua existência. Isso me remete ao trabalho de fotógrafos como Miguel Rio Branco ou Cindy Sherman, que, sem serem acadêmicos, certamente partem da estética e da subjetividade para chegar à narração pictórica, às vezes barroca, dessa realidade.

J.B. - Sim, mas isso é performance ! Nesse momento há um ciclo de atividades que é a construção de coisas e em seguida a representação delas. Eu não vejo onde está o momento original da foto lá dentro. Não é regra geral, mas se a foto consegue apagar o trabalho, fazer uma elipse sobre a construção e a demonstração do objeto, então ela volta a ser fotografia pura e simples. Eu não faço trucagem. Sempre existe um mergulho, uma escolha de luz, uma mis-en-scène subjetiva, mas eu os separo daquilo que vem de fora, eu mesmo venho de fora… E acontece um encontro entre nós dois. Ao contrário de Rio Branco, não há nada de barroco no meu trabalho.

“30 Anos de Fotografia” na Caixa Cultural

2009-04-05T08:47:00.001-07:00

Galeria da Caixa apresenta mostra com grandes nomes da fotografia brasileira
A partir do dia 7 de abril, terça-feira, o público curitibano terá contato com trabalhos de grandes nomes da fotografia brasileira como Mario Cravo Neto, Thomaz Farkas e Cristiano Mascaro, entre outros. A exposição “30 Anos de Fotografia”, que a Galeria da Caixa apresenta, reúne 40 imagens do acervo pessoal da curadora e pesquisadora Rosely Nakagawa. Na abertura da mostra a curadora e a jornalista e crítica de fotografia Simonetta Persichetti estarão presentes proferindo palestra no Teatro da Caixa com o tema “Fotografia e Mercado”. A entrada da mesma será franqueada ao público mediante retirada de convite antecipado (a partir das 12 horas do dia 07/04).

A exposição apresenta fotografias que Rosely foi reunindo durante os 30 anos de sua trajetória profissional, desde a primeira, que foi presente de Mario Cravo Neto - uma foto em PB -, até reunir um portfólio com 200 imagens, das quais selecionou 40, onde o destaque fica para o momento criador e o processo de elaboração de renomados fotógrafos brasileiros.
Entre eles, encontram-se Mario Cravo Neto, Thomaz Farkas, Cristiano Mascaro, Carlos Moreira, Luiz Braga, Lucia Guanaes. São profissionais que passaram pelos olhos de Rosely e juntos escolheram, selecionaram, dividiram, compartilharam o fazer imagético.

“Talvez, mais do que uma coleção, o que Rosely nos mostra seja uma coletânea, onde ficam evidentes os interesses e os gêneros de época. Um índice que nos permite ver, mesmo que não de forma cronológica e, muito menos didática, a transformação da estética fotográfica, um passeio pelos mais variados estilos. E mostra um panorama da história da fotografia brasileira, muito mais ligado à afeição, ao emocional do que a um discurso intelectualizado”, declara Simonetta Persichetti.

Rosely é formada em Arquitetura e Urbanismo pela FAU-USP, com extensão em Museologia. Seu trabalho como curadora teve início na Galeria Fotóptica, no final da década de 70. “Acompanhar a produção e a realização do trabalho fotográfico, conviver com fotógrafos e acompanhá-los nas saídas fotográficas era, realmente, o que mais me motivava naquele trabalho”, destaca ela.

Na galeria, Rosely conheceu fotógrafos contemporâneos de Thomaz Farkas como José Medeiros, Pierre Verger e Chico Albuquerque. Além dos que despontavam no cenário da fotografia nacional e internacional, como Sebastião Salgado e Alécio de Andrade.

Em 1986, começou a trabalhar de forma independente como coordenadora de mostras em museus e outras galerias. A partir daí não parou mais, foi curadora de diversos espaços culturais, a exemplo da Casa da Fotografia Fuji e do Espaço Senac Escola de Comunicação e Artes. Organizou dezenas de exposições de fotógrafos conceituados, assinou a edição e coordenações de diversos livros de imagens e participou de congressos no Brasil inteiro e no exterior. Hoje, coordena as mostras das galerias Fnac Brasil, com a proposta de mostrar a produção brasileira na sua diversidade e complexidade, nas oito galerias no Brasil .

Serviço:Exposição: “30 Anos de Fotografia”Local: Galeria da CaixaData: Abertura 07/04/2009, 19h30. A exposição permanecerá aberta até o dia 03/05/2009Horários de visitação: De terça a sábado das 10 às 21h. Domingos das 10 às 19hEndereço: Rua Conselheiro Laurindo, 280 - Edifício Sede IIClassificação etária: LivreInformações: 2118-5114 / 2118-5410Ingresso: Entrada franca para a exposição. Para a palestra será necessário retirar convite (gratuito) na bilheteria do Teatro a partir das 12 horas do dia 07/04/09

Filmes

2009-04-02T13:01:00.000-07:00

estou postando aqui duas dicas de filmes. "Nossa musica" do Godard e o "Cache" do Michael Haneke, este foi uma dica do Arthur e inclusive que quiser copiar o filme eu passo na segunda-feira o DVD, vale a pena!

NOSSA MUSICA - GODARD

CACHE - MICHAEL HANEKE

David Hockney

2009-04-01T12:24:00.000-07:00

Eu comentei do trabalho dele no nosso último encontro. Segue uma fotocolagem e o link do site dele: www.davidhockney.com. Acho que vale muito a pena dar uma olhada!

David Hockney - Place Furstenberg, Paris, August, 7, 8, 9, 1985 #1

Photographic collage, 88.9 x 80 cm

2009-03-24T07:59:00.000-07:00

"Si un hombre atravesara el paraíso en un sueño y le dieran una flor como prueba de que ha estado allí, y si al despertar encontrara esa flor en su mano... ¿entonces qué?" (Jorge Luis Borges)

Sobre Vilém Flusser (Praga,1920 - 1991)

2009-03-23T06:33:00.000-07:00

Estes videos fazem parte do projeto aula aberta na Unissinos. Achei interessante a apresentacao, mesmo que rapida, da biografia e de algumas ideias do Flusser.

Biografia de Vilém Flusser

2009-03-23T06:30:00.000-07:00

Vilém Flusser nasceu em Praga em 1920. Iniciou seus estudos em Filosofia na Universidade de Praga em 1939, mas devido a invasão alemã, emigrou para Londres em 1940 e para São Paulo em 1941, onde continuou e terminou sua educação. Em paralelo as suas atividades filosóficas e científicas, gerenciou um fábrica de transformadores elétricos, dedicando-se às atividades empresariais até 1961.

Seus primeiros artigos em filosofia e linguística foram publicados em 1961 no Suplemento Literário do Estado de São Paulo, no qual seguiu contribuindo. No ano seguinte tornou-se membro do Istituto Brasileiro de Filosofia e foi nomeado professor de Filosofia da Comunicação na FAAP em São Paulo. Tornou-se co-editor da Revista Brasileira de Filosofia em 1964e dois anos depois foi designado Delegado Especial para Cooperação Cultural com os Estados Unidos e Europa, pelo Ministério Brasileiro de Assuntos Estrangeiros.

Seus ensaios foram publicados em vários jornais americanos e europeus. Em 1972 muda para a Itália e depois, em 76, para a França. Falece em 1991 num acidente de carro, próximo à fronteira da República Checa.

Entre suas principais obras, estão: "Língua e Realidade"(1963/SP); "A História do Diabo"(1967/SP); "Le Monde Codifié"(1972/Paris); "Natural:mente"(1979/SP); "Pós-história"(1982/SP), "Für eine Philosophie der Fotografie"(1983/Göttingen); "Ins Universum der technischen Bilder" (1985/Göttingen); "Die Schrift - Hat Schreiben Zukunft?"(1987/Göttingen); "Vampyroteuthis infernalis" (1987/Göttingen); "Angenommen - eine Szenenfolge" (1989/Göttingen), e "Gesten - Versuch einer Phänomenologie"(1991/Dusseldorf/Benshein).

Para começar

2009-03-19T11:30:00.000-07:00

Está aberto nosso espaço virtual para continuar e ampliar as discussões de nossos encontros, com uma imagem bem bolada pela Luana, com as referências teóricas que deveremos trabalhar.

Acho que vale mais uma vez o agradecimento ao Núcleo de Estudos da Fotografia pelo espaço, bem como pela possibilidade de pensar, produzir e discutir imagem e fotografia. Também à coordenação e empenho da Luana em viabilizar a existência do grupo! Vale lembrar que a participação de todos e essencial para o sucesso do grupo e do blogue.